Proyecto SERPO: Cuando los humanos viajaron a un mundo con dos soles.
El proyecto llamado «SERPO» es un clásico de la ufología.
Lo bueno de todo esto es que JAMAS se logra saber la veracidad de estos relatos. De todas maneras se relaciona aqui a Roswell, los aliens sobrevivientes y un grupo de 11 humanos que tras 9 meses de viaje llegaron a 37 años luz de nuestro mundo, a un planeta (?) llamado SERPO.En el 2005, una fuente anónima envió una serie de mensajes de correo electrónico a un grupo de discusión OVNI liderado por el ex empleado del gobierno estadounidense Víctor Martínez.Los correos electrónicos detallan la existencia de un programa de intercambio entre el gobierno estadounidense y los Ebens, seres extraterrestres de Serpo, un planeta del sistema estelar Zeta Reticuli. El programa fue llamado el Proyecto Serpo.
La fuente se identificó como un empleado jubilado del gobierno, alegando que había participado en un programa especial. Los orígenes del programa se hallaban con las dos caídas de OVNIs en Nuevo México en 1947, el famoso incidente de Roswell y el otro en Corona.
Afirmó que un extraterrestre sobrevivió al accidente y fue trasladado al Laboratorio Nacional de Los Álamos. Los otros seis extraterrestres fallecidos fueron colocados en una instalación de congelación en el mismo laboratorio.
Estableciendo comunicación con los científicos y el personal militar, el sobreviviente les proporcionó la ubicación de su planeta de origen y siguió cooperando hasta su muerte en 1952. El extraterrestre proporciono información acerca de los objetos que fueron hallados dentro de los OVNIs estrellados. Uno de los objetos era un dispositivo de comunicación que le fue permitido usar, para ponerse en contacto con su planeta de origen.
Una reunión fue fijada para abril de 1964, cuando una nave extraterrestre aterrizó cerca de Alamogordo, Nuevo México. Tras la recuperación de los cuerpos de sus compañeros muertos, los extraterrestres involucrados intercambiaron información con los humanos en el idioma Inglés, gracias al dispositivo de traducción de los alienígenas. Una cosa llevó a la otra y en 1965, los extraterrestres aceptaron llevar a un grupo de seres humanos de vuelta a su planeta como parte del programa de intercambio. Doce militares fueron cuidadosamente seleccionados para una estancia de diez años en Serpo.
Los diez hombres y dos mujeres eran especialistas en diversos campos y su tarea consistía en reunir la mayor cantidad de información posible, en relación con todos los aspectos de la vida, la sociedad y la tecnología en el planeta alienígena.
Fueron tres años de retraso y cuatro personas faltantes cuando finalmente regresaron en 1978. Dos hombres habían muerto en el planeta alienígena.
Un hombre y una mujer habían decidido quedarse. El viaje a Serpo, situado a 37 años luz de la Tierra, tomó sólo nueve meses a bordo de la nave alienígena.
Habían aprendido que Serpo era un planeta similar a la nuestra, aunque menor. Orbitaba alrededor de un sistema binario de estrellas y tenía un ambiente similar en composición a la de la Tierra. Sin embargo, los dos soles significaba que eran mayores los niveles de radiación y los doce seres humanos tuvieron que recurrir a la protección en todo momento.
Dos de ellos murieron a causa de complicaciones. El calor era extremo y llevó a los humanos restante varios años para adaptarse. Otro problema era la comida. La tripulación tenía suficiente comida para ellos durante dos años y medio, pero finalmente tuvo que recurrir a comer alimentos natales de Eben.
Cualquiera que haya viajado al extranjero sabe de las consecuencias gastrointestinales graves planteados por el consumo de alimentos locales, pero la tripulación humana finalmente se adapto.
Otro problema fue la duración de la jornada en Serpo, que fue de 43 largas horas terrestres. Además, nunca se conseguía ponerse totalmente oscuro ya que sus cielos nocturnos estaban iluminados por el sol más pequeño.
El equipo tuvo total libertad para explorar el planeta alienígena y no fueron obstaculizados de manera alguna. La geología del mundo alienígena era diferente; habían pocas montañas y no habían océanos.
Existían varios tipos de vida como la planta pero en su mayoría cerca de la zona polar, donde estaba más fresco. También hubo tipos de vida animal y algunos de los más grandes fueron utilizados por los Ebens para el trabajo y otras tareas, pero nunca como fuentes de alimento.
Produjeron su comida a través de procesos industriales, de los cuales tenían más de unos pocos. Los habitantes de Serpo vivían en pequeñas comunidades lideradas por una gran ciudad. Carecían de un gobierno central, pero parecían estar haciéndolo muy bien sin él.
Los Ebens tenía liderazgo y un ejército, pero el equipo de la Tierra se dio cuenta de que ellos nunca utilizaban armas de cualquier tipo y la violencia era prácticamente desconocida.
No tenían ningún concepto de dinero o el comercio. Cada Eben expedía artículos de acuerdo con sus necesidades.
La población del planeta era de unos 650.000 individuos. La tripulación humana señaló que los Ebens eran disciplinados en todos los aspectos de sus vidas, trabajando en horarios en función de los movimientos de sus soles. No hubo otras civilizaciones en Serpo excepto los Ebens.
u método de reproducción fue similar a la nuestra, pero tenía una tasa de éxito mucho menor. Por lo tanto, sus hijos eran muy aislados. De hecho, el único problema que tuvo la tripulación humana fue cuando tenían la intención de fotografiar a los niños Eben. Fueron escoltados lejos por el ejército y se les pidió no intentarlo de nuevo. A su regreso a la Tierra, los restantes ocho miembros de la expedición fueron puestos en cuarentena durante un año.
Durante este período, ellos fueron interrogados y el reporte completo acumulo alrededor de 3.000 páginas. Todos los miembros de la expedición, ya han muerto a causa de diversas complicaciones debido a la exposición a la radiación. El destino de las dos personas que optaron por permanecer en Serpo es desconocida. Los Ebens no han contactado con la Tierra desde 1985.
La autenticidad de este relato ha sido tema de debate desde que salió a la superficie. Sin embargo, es uno de los casos extraterrestre más interesante que hay. Que nosotros sepamos, mejor dicho.
20220824
Pablo Picasso Biografía y etapas de su vida obras de arte
Muchos nombres se relacionan con el Cubismo, pero entre todos ellos el de Pablo Picasso brilla con más intensidad, pues él junto a otros como Juan Gris es uno de los exponentes más importantes del cubismo, pero su imagen no solo se puede reducir a la relación que tuvo en su momento con el movimiento artístico, fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets.
Pablo Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, en la ciudad de Málaga, de padre pintor y profesor de dibujo en la Escuela Provincial de Artes y Oficios, conocida como Escuela San Telmo y madre andaluza. La infancia de Picasso transcurrió con dificultades económicas de la familia pero tenía una estrecha relación con su padre, siendo un niño no muy trabajador en la escuela pero si en niño precoz en el dibujo. Debido a las pocas oportunidades laborales que se presentaban para el padre de Picasso en Málaga la familia se vio forzada a mudarse a La Coruña en 1891, cambio que no sentó nada bien en el niño ni en la familia, donde Pablo inicia sus ensayos pictóricos, y tres años más tarde su padre al ver el talento de su hijo le cede sus propios pinceles y caballetes. En 1895, el padre de Picasso obtiene un puesto docente en la Escola d’Arts i Oficis de la Llotja de Barcelona.
Desde muy joven Pablo Picasso mostró inclinación y grandes habilidades para la pintura, con solo diez años sus trabajos ya se perfilaban como altamente realistas y el amor por los temas del Realismo se encontraba muy presentes. En 1895 entra a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, institución en la que su padre impartía clases, y en la que se nutriría el joven con todo el conocimiento formal de pintura que posteriormente utilizaría para alejarse de la pintura “tradicional” a lo largo de sus trabajos. A finales de 1895 abandona Barcelona para estudiar en la Academia de San Fernando, de Madrid y en 1896, con sólo quince años, instala su primer taller en la calle de la Plata de la Ciudad Condal. pero abandonará en corto tiempo la institución pues no se sentía a gusto en el ambiente artístico de la ciudad, que se resistía a aceptar los nuevos vientos de cambio en cuanto a propuestas estéticas que provenían del extranjero.
En 1898 vuelve a Barcelona hasta que la enfermedad de escarlatina lo obliga a internarse en el pueblo Horta del Pueblo, donde se ocuparía de él Manuel Pallarés. Al año siguiente regresa a Barcelona y se relaciona con la Bohème de la ciudad y con quienes realiza su primera exposición independiente. En 1900 asiste a la Exposición Universal en donde sería exhibida una obra suya.
El siglo XX fue la cuna de muchos movimientos artísticos y culturales que han producido la plataforma sobre la que se han desarrollado estos primeros años del siglo XXI. Uno de los movimientos artísticos más reconocidos del siglo pasado fue el Cubismo, que buscaba contemplar absolutamente todas las caras que componen la geometría de los objetos desde un mismo lugar: el cuadro o collage. Por esta razón, muchos de los cuadros de este estilo son en ovaciones difíciles de descifrar, ya que el artista ha intentado mostrar todas las posibles caras del objeto juntas y algunas veces superpuestas en el espacio figurativo que es el que se encuentra entre los márgenes el cuadro guindado en la pared.
Periodos y Épocas de las obras de Picasso
La obra de Pablo Picasso está dividida según la crítica en períodos relacionados con diferentes momentos de su vida.
Primera etapa: llamado periodo de formación o tanteos
Transcurre entre 1891 y 1898 transcurre, fue una época de formación: dibujo, copia de yeso, copia del natural, en la que al tiempo que se instruye en el más estricto academicismo finisecular de las escuelas de La Coruña, Barcelona y Madrid. Sus primeros cuadros son académicos y de aprendizaje o formación y sus maestros son los de la Escuela malagueña del XIX. Su primera pintura es El Picador de 1889, creada con tan solo 8 años. Pintó casi 40 retratos de su amigos, con temas como las clases marginadas, mendigos, prostitutas, vagabundos, músicos callejeros.
Periodo azul de Picasso
Transcurre entre el 1901 y el 1904. Esta es una época de bohemia y penuria económica de soledad que marca su personalidad como pintor, y es perfectamente identificable su estilo, un estilo de realismo, intimismo y melancolía, que presiden sus cuadros. Los temas se alejan del gusto imperante en las clases burguesas, que era la que podía comprar obras de arte. En las pinturas de esta etapa refleja la miseria humana, con trabajos extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas. Es el primer periodo personal y maduro de Pablo Picasso. El suicidio de su amigo Casagemas le causo mucha tristeza y lo inspiro a tener esta etapa, una etapa que sobresale el color azul que expresa un estado de animo depresivo, con mucha tristeza, mostrando figuras alargadas, manos largas, siempre presentes, dedos que parecen ramas de árboles de personajes como los mendigos y personajes de la calle, se inspira en el expresionismo alemán y redescubrimiento de El Greco. La época azul dura unos tres años y se desarrolla entre Barcelona y París pero es a partir de primeros de 1905 cuando empieza vender cuadros, expone en la galería Berthe Weill y galería Serrutière, el bulevar Hausmann, luego la Rue Laffitte. Crea obras como Viejo con guitarra, Arlequín pensativo, El viejo judío, La Celestina, Miserables ante el mar, La vida, donde se ve claramente este periodo azul. Cambia el acento del trazo triste anterior de la época azul, y aparecen en sus niños, acróbatas, arlequines, movimientos, alegría y colores más cálidos, aunque también pasó por temas como escenas eróticas en la frontera de la pornográfico. En definitiva regresa a un estimo más clásico y de Academia.
Periodo rosa de Pablo Picasso
Transcurre entre el 1904 y el 1905. Después de establecerse en Paris, Picasso conoce a su primera compañera, Fernande Oliver. Fue esta relación feliz la que provocó una nueva época donde Pablo Picasso cambiara su paleta hacia colores rosas y rojos más brillantes, una época cálida y sus temas se concentran en el mundo del circo, de los payasos, el cual visito mucho, creando obras como Familia de acróbatas, La comida frugal, también obras como La planchadora, Retrato de la Señora Canals.
Época negra para Pablo Picasso
Etapa que transcurre desde el 1906 y el 1909, también llamada época precubista: a las épocas azul y rosa le sigue otra que se ha denominado negroide o precubista, estimulado por una exposición que ve de escultura negra y por el estudio del arte ibérico y egipcio. El pintor llega con nuevas ideas para sus pinturas. Adopto la técnica de Cezanne basada en la captación de las formas geométricas simples y evitar que se reflejen sus estados de animo personales. El arte ibérico también forma parte en su búsqueda de las raíces figurativas. Creo el nuevo estilo cubista a base de líneas. Así, creará un mundo de formas severas, independientes de la naturaleza. Comienza la petrificación de los rostros y la esquematización arquitectónica de las figuras. En esta época Pablo Picasso busca una pintura pura y comienza a observar los objetos de su taller, de modo intelectual y a pintarlos buscando en ellos las figurasgeométricas básicas. Es una época negra y del cubismo, sus formas y sus deformaciones en lo que experimenta hacia lo que se llama también precubismo. Desde 1901, a través de sus visitas al Louvre y a otros lugares, Picasso ya había entrado en contacto con el arte egipcio y el arte primitivo. En mayo de 1906 visita el Louvre con objeto de ver la exposición de relieves ibéricos de Osuna y en marzo de 1907, Picasso tenía su propia escultura ibérica: dos cabezas de piedra compradas a Géry Pieret, un amigo de Apollinaire. En 1907 pinta Las Señoritas de Avignon, se trataba de unas atroces mujeres desnudas con los rostros desfigurados y los cuerpos pintados de un rosa casi uniforme. Aunque todavía no es plenamente cubista, supone el inicio del Cubismo.
Época clásica de Picasso
Esta etapa se inicia tras conocer y casarse con Olga y el nacimiento de su hijo Paul. Al término de la Primera Guerra Mundial empieza a interesarse por las otras artes, especialmente la música y el ballet. Conoció a los grandes maestros como Stravinsky o Manuel de Falla y a una componente del Ballet Ruso de Diaghilev, Olga koklova, con quien contrajo su primer matrimonio. Viaje a Italia, allí se pone en contacto con los ballets rusos, que abren una etapa clásica, conocida como ingresca. En las danzas de los bailes rusos estudia el movimiento, que le inspira pinturas de ritmos agita dos, creando obras como los Tres músicos y los Tres bailarines.
Época surrealista para Pablo Picasso
Este periodo dura de 1928 a 1932. En esta época las formas son distorsionadas, representando lo monstruoso o a evocaciones mitológicas y las esculturas estaban hechas de hilo y de láminas de metal. En esta época tenemos obras como, Bañista en pie del 1929, Bañista al borde del mar del 1930 y El sueño de 1932, todo sobre su arte surrealista.
Época expresionista vivida por Pablo Picasso
Con el comienzo de la Guerra Civil Española, Pablo Picasso fue nombrado director del Museo del Prado, por el gobierno republicano. En 1937 pintó uno de sus cuadros más famosos, elGuernica, con un significado en contra la guerra y el terror infligido a la población civil durante el bombardeo aéreo alemán sobre Guernica. En esta época la mayor parte de las obras expresan un sentimiento de angustia, como consecuencia de la problemática situación que se vivía. El punto culminante de su expresionismo lo marcan sus cabezas de dos caras. También en la escultura esta época es importante realizando piezas más abstracta, sin método ni sistema.
Época de Vallauris Por Pablo
Esta época está dedicada por completo a la cerámica, donde realiza cerca de 2000 piezas, como ejemplo tenemos, El hombre del cordero. Una de las últimas obras que hizo Picasso fue Autorretrato creada en 1907, donde se sintió identificado por el post-impresionismo. Esta etapa forma parte del Periodo Rosa, dominado los tonos rojizos, oscuros o claros. En esta epoca, Pablo Picasso va dejando de lado la perfección de la forma para fijarse más que nada en lo fundamental.
Época de las metamorfosis de Pablo Picasso
A partir de 1925 la gran admiración por los escritos teóricos de Breton y por la obra de Arp, Miró y Tanguy, hacen que su temática cambie. Se inclina por las tendencias surrealistas que se reflejan en Las Metamorfosis. Para Picasso la pintura es un conjunto de signos y la metamorfosis o modificación de las formas el equivalente a una metáfora, un lenguaje con el que expresa las angustias de la época. Se desenvuelve dentro de los presupuestos del expresionismo, aunque en ningún momento se ata a una disciplina o escuela. Hasta 1929 las metamorfosis se basan en curvas y elipses, a partir de entonces la figura humana es una estructura de trazos angulosos y agudos de una violencia que refleja un espíritu atormentado. Tenemos como ejemplo de esta época obras como Mujer sentada al borde del mar.
Pablo Picasso es considerado el artista más importante del siglo XX y uno de los más influyentes en el desarrollo del arte moderno. Hay mas de de 1500 obras suyas en museos de todo el mundo.
Pablo Picasso murió el 8 de abril de 1973 en Mougins, Francia, a la edad de 91 años.
Biografía del pintor Diego de Velázquez, desarrollo y obras
Diego de Velázquez nació en Sevilla en 1599 y es considerado un importante representante de la pintura española y universal. Su estilo fue naturalista y tenebrista. Pintó para el rey Felipe IV y se destacó como pintor de cámara, por ser el cargo más importante entre los pintores de la corte. Se dedicó a la pintura por el resto de su vida, pintando retratos del rey y de su familia, junto con otros cuadros que para ese entonces, decoraban las mansiones reales.
Palabras clave: el pintor Diego Velázquez, las meninas de Velázquez
Los mejores artistas del mundo y sus obras más importantes del mundo.
¿Cómo fue el Desarrollo cultural de Diego de Velázquez?
Diego de Velázquez fue el primer hijo de un hidalgo clase media de una familia de origen Portugués, de Oporto. Nacido en Sevilla, de Juan Rodríguez, y de Jerónima Velázquez, mujer de abolengo de poco patrimonio. Durante su infancia ingresó en el taller de Francisco Pacheco. Desde muy pequeño dio pruebas de habilidad como dibujante, y aprendizaje rápido en el sutil arte de los colores, por lo que Pacheco lo condujo con suavidad por donde la inspiración del joven lo llevaba. Entre maestro y discípulo se estrechó una firme amistad basada en la admiración y en el orgullo de Pacheco y en la gratitud del joven dibujante. Estos lazos terminaron de consolidarse cuando el viejo pintor le otorga la mano de su hija Juana a su aventajado alumno de diecinueve años. Después de cinco años de educación y enseñanza se casó con la hija de su maestro Pacheco, quien se sentía orgulloso de su virtud, limpieza, natural y gran ingenio.
En Sevilla, durante la primera época el estilo de Diego de Velázquez sigue al de los manieristas y los estudiosos del arte veneciano, como Juan de Roelas, pero adoptando los claroscuros del impresionismo de Caravaggio, influencia que ha sido discutida. No obstante, Diegode Velázquez se destacaría pronto por un realismo barroco, audaz y lleno de contrastes, que luego siguió el pintor Francisco de Zurbarán o Alonso Cano.
El realismo, en su rama más popular, también presente en la literatura de la época, con aire de novela picaresca, aparece en los Almuerzos que guardan los museos de Leningrado y Budapest, así como en Tres músicos, donde, desaparece el humor para concentrarse en la descripción de la maltrecha dignidad de sus protagonistas. Más curioso aún es el hecho de que también por aquella época, utiliza los encargos de asuntos religiosos para arrimar el ascua a su sardina, dejando en su fondo plasmado el episodio que da título al cuadro, en la que pasan a un primer plano de la representación, rudos personajes del pueblo y minuciosos bodegones donde se acumulan los objetos de la pobre vida cotidiana. También, es el caso del Cristo en casa de Marta y María, cuadro en el que adquiere plena relevancia la cocina y sus habitantes, el pescado, las vasijas, los elementos más humildes.
¿Cómo Desarrolló su obra Diego de Velázquez?
En sus viajes por Italia Diego de Velázquez consiguió evolucionar a través del conocimiento y desarrollo de la pintura antigua, un estilo de luminosidad, con pinceladas rápidas y sueltas. Una de sus más grandes obras fue la Rendición de Breda. No obstante, ya en su última década, su estilo cambió a ser más esquemático y abocetado, demostrando un amplio y admirado dominio de la luz puesto en evidencia en sus obras tales como el Retrato del papa Inocencio X y sus dos últimas destacadas obras: Las meninas y Las hilanderas.
Lo trascendente del estilo de Diego de Velázquez es el acabado de sus obras dependiendo del tema. Destacando en particular el terminado de las cabezas y manos muy elaboradas, mucho más trabajadas en los retratos de la familia real. Así en su cuadro de La costurera, en todo el cuadro, se aprecia la zona abocetada con amplias pinceladas. Por lo que, durante toda su vida como pintor en varios retratos y composiciones mitológicas, religiosas o históricas, se muestran las zonas esbozadas.
Para los pintores quienes han seguido su tendencia tales como López-Rey las partes abocetadas tienen una intensidad expresiva intrínseca, muy integradas en la composición del cuadro, emblemáticas del arte de Velázquez.
Por otra parte, Diego de Velázquez siempre estuvo destinado a llevar a su culminación los supuestos del nuevo arte, tanto en su concepción como en su lenguaje pictórico mismo (La Fuente, 1987). Se considera un prodigio de su capacidad de representación y estética naturalista, superó ampliamente el credo de una concreta y limitada escuela de pintura del siglo XIX. Así mismo, fue capaz de crear un arte supremo con la materia cromática poetizando el mundo ante sus ojos sin deformarlo ni idealizarlo, dado que, tenía un temperamento impasible observador y sereno de la realidad. En tanto que, su pintura representa en lo español la culminación de la ruptura definitiva con el clasicismo del siglo XVI en su deseo de formas de una perfección imposible de hallar en el mundo cotidiano y en la búsqueda de ideales arquetípicos. Por lo tanto, sus creaciones de reposo y serenidad representan el espíritu del nuevo arte llamado barroco por su sinceridad representativa y su afanado interés en pintar las cosas y no los conceptos de ellas.
¿Por qué es Importante el trabajo de Diego de Velázquez?
Su impulso artístico creador emerge de la emoción de la realidad misma del existir. Por lo que, sus pinturas están empapadas de un sentido reverencial de la existencia, lo que representa su verdadero secreto como pintor, en contraposición al idealismo platonizante del renacimiento humanístico. Así en Diegode Velázquez sorprende la radical belleza de la vida demostrando amor y hermosura, lo que salva en sus lienzos con una estética nueva y una suprema distinción limpia de anécdota. Huyó del tenebrismo barroco de sus años juveniles caracterizado por la mentida forma perfecta, para aceptar la realidad vulgar, la que sometió a iluminaciones acentuando la forma sólida de los cuerpos con una verosimilitud convincente en la representación de las tres dimensiones, tan buscada y ansiada por los pintores del renacimiento italianos. Igualmente, Diego de Velázquez en su arte como técnica toma de las cosas lo que tienen de pura entidad visual en un proceso intenso y sorprendente a través de una obra muy corta, eliminando de la pintura lo que había sido considerado sustancial con ella, como lo fue la belleza, dibujo, corporeidad, para dejar salvada en el lienzo solamente la realidad no en apariencia, sino su aparición y evidencia, es decir, ese momento de la realidad así aislada. Por lo que trata en su pintura de hacer ver que las cosas están ahí, que son la existencia misma. Así, Diego de Velázquez aun cuando no pintó muchos cuadros, abordó todos los problemas que se podían vislumbrar con riqueza suficiente en su nueva visión. Su obra es muy variada, aunque se especializó en el retrato por sus deberes palatinos, profesó como propia la estética de la salvación del individuo. En sus obras de Bodegones con figuras, mitología, cuadros de altar, de historia, interiores y paisajes se encuentran las más determinantes.
A pesar de que realizó unas 130 obras, sin embargo, se le reconoce como pintor universal más allá de España y Europa, mucho más tarde a partir de 1850. Igualmente, alcanza su máximo renombre entre 1880 y 1920, en la época de los pintores impresionistas franceses, quienes se apoyaron en sus obras tomándolas como referencia de partida. Sus cuadros más emblemáticos que integraban la colección real, se encuentran en el Museo del Prado en Madrid.
¿Cómo fue el Desarrollo de la técnica de Diego de Velázquez?
En la pintura Diego de Velázquez hay características muy particulares y representativas como lo son el empleo de la perspectiva aérea, la Profundidad, la realización de bocetos y por ello, las correcciones las hacía sobre la marcha y este hecho se remarca en las correcciones de sus cuadros. Igualmente, la obra de Diego de Velázquez se divide en dos etapas, la sevillana y la madrileña. En la etapa sevillana, desde 1599 a 1623, tuvo como maestro a Pacheco con quien aprendió a ser un gran dibujante y a organizar las composiciones. Así estas primeras obras están marcadas por el tenebrismo. Por lo tanto, las características de esta corriente destacan en su obra en el Realismo, el contraste de luz y la composición diagonal. Así en esta primera etapa el pintó temas religiosos y también populares, tomados de la vida cotidiana.
Por otra parte, en la segunda etapa se considera que es la más amplia de la vida y obra de Diego de Velázquez que a su vez tiene distintas fases. Inicialmente, desde 1623 a 1629, como pintor de cámara de Felipe IV consigue cada vez mejores trabajos con el tiempo. Por lo que, en este periodo Diegode Velázquez continúa su formación como pintor, partiendo de los trabajos valorados en las galerías pictóricas de la Corte madrileña y es en esta etapa cuando conoce a Rubens, considerado genio del Flamenco.
¿Cuáles son las Obras más importantes de Diego de Velázquez?
El pintor Diego de Velázquez es especialmente importante tanto por el número de obras como por su calidad. Por lo que, la mayor parte se encuentra en el Museo del Prado de Madrid que heredó casi todas sus obras. Además su obra aparece recogida en catálogos que las clasifican entre las que realizó completamente de su mano, como aquellas que realizó de manera compartida en taller. A continuación se dan detalles de algunas de sus obras más emblemáticas.
El retrato del papa Inocencio X
Diego de Velázquez realiza este cuadro en su segundo viaje a Italia el año 1649 con el cual marcará un hito en su carrera retratista (1650, Galería Doria Pamphili, Roma). Este retrato papal ha de considerarse uno de los mejores ejemplos de captación psicológica y de genial solución formal de la historia del arte.
El Bufón
Diego de Velázquez realizó varios cuadros de bufones, con distintos nombres: El bufón Barbarroja, Cristóbal de Castañeda y Pernia (1636) El bufón Calabacillas (1639), El bufón llamado don Juan de Austria (1643), El bufón don Diego de Acedo, «El Primo» (1645) y El bufón Sebastián de Morra (1644). Todos ellos tratados con inmensa humanidad, con el mismo énfasis y realismo que los retratos regios. Por lo que, nunca se podrá conocer si este pintor desarrolló estos cuadros por propia iniciativa más bien que por requerimiento del monarca.
Calabacillas
Este cuadro merece una mención aparte por su serie de enanos y bufones, plasmada en 1626 con el Juan Calabazas (Cleveland Museum of Arts, Ohio) y continuada por El príncipe Baltasar Carlos con un enano (1631, Museum of Fine Arts, Boston). Así mismo, el Museo del Prado conserva la serie iniciada por Pablo de Valladolid (1633) y continuada por Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas (1634). Por ello, se pudiera pensar que Diego de Velázquez dejó una galería de personajes tristes, vistos con una atención al parecer despiadada, sino fuera porque están representados en un tono de melancolía y conmiseración, que llena de una innegable humanidad.
La Venus del espejo
Diego de Velázquez, realizó El primer desnudo de la escuela española de artes, y debido a la restricción de este tipo de pintura por ese tiempo, la venus apenas se adivina y aparece el cupido para otorgar a la figura un carácter mitológico. Este cuadro fue realizado con menos elocuencia, para evitar peligrosos enfrentamientos con la iglesia, de la obra de Tiziano en los viajes de Diego de Velázquez por Italia.
Este cuadro de la Venus del Espejo fue comprado por la Galería Nacional de Londres, y es la única obra que subsiste de las que se pintaron en el taller de Diego de Velázquez. Así, un hecho trascendente de esta obra es que fue rasgada luego con un cuchillo por una fanática feminista en su lucha por la igualdad de género en Inglaterra.
El Retrato del enano Don Sebastián de Morra
En este retrato se mira las conexiones entre el arte y la genética para reconstruir la historia cultural que ha sido poco explorada. Resalta en esta obra de Diego de Velázquez el sentido de observación y los interrogantes culturales que surgen del fenómeno genético de las dismorfias y su representación en las obras de arte. También expresa el cuadro su valor semiótico mimético y expresivo en la presentación de un adulto de cabeza grande en relación con la cara pero completamente proporcionada al tronco y de cabello abundante. Arcos recios y angulosos poblados por cejas espesas.
Las Meninas de Diego Velázquez
Las meninas (como se conoce a este cuadro desde el siglo XIX) o La familia de Felipe IV (según se describe en el inventario de 1734), es catalogada como una obra maestra del pintor del Siglo de oro español Diego Velázquez. Se cree que la obra fue concluida en 1656, y corresponde al último periodo estilístico del artista, el de plena madurez. Esta pintura fue ejecutada por el pintor al óleo sobre un lienzo de amplia proporción, estructurado por tres bandas de tela cosidas verticalmente. En el cuadro se aprecian las figuras situadas en primer plano y se pintaron en tamaño natural. Igualmente, las meninas, es una obra pictórica muy analizada y comentada en este mundo del arte.
Este es el mapa más detallado de la Vía Láctea jamás creado
Dos años llevaban los astrónomos de todo el mundo esperando con ansiedad noticias de la misión Gaia de la Agencia Espacial Europea (ESA).
Las noticias (y los datos) han llegado hoy, en forma del mapa más detallado de la Vía Láctea jamás creado. 1.700 millones de estrellas cartografiadas, con datos como la distancia, el brillo, el color o la temperatura de su superficie. Los científicos tardarán años en estudiar esta información, y están convencidos de que encontrarán sorpresas.
En este vídeo puedes ver el nuevo mapa de nuestra galaxia, con todo detalle:
La misión Gaia es una de las más ambiciosas llevadas a cabo por la Agencia Espacial Europea. Más de 450 científicos europeos participan en esta misión que tiene como objetivo cartografiar la Vía Láctea, y lo que hay más allá.
El satélite Gaiga lleva desde 2013 cartografiando las estrellas de la Vía Láctea. Sus sensores son tan potentes que si se usasen para observar la Luna desde la Tierra, podría encontrar un moneda de un euro en su superficie.
Tras cuatro años de trabajo, la ESA ha hecho públicos los datos capturados por Gaia. El primer mapa se publicó en 2016, y cubría 1.000 millones de estrellas. En estos dos años Gaiaha conseguido cartografiar la posición y el brillo de 1.700 millones de estrellas. Para que te hagas una idea del salto que supone, hasta ahora sólo se habían cartografiado completamente 100.000 estrellas. Otros datos incluidos en el mapa más detallado de la Vía Láctea, son espectaculares:
Se ha descubierto el color de 1.400 millones de estrellas
La distancia y el movimiento de 1.300 millones de estrellas
La temperatura de la superficie de 161 millones de estrellas
El radio y la luminosidad de 77 millones de estrellas
Y estamos hablando únicamente de nuestra galaxia. Se estima que hay cientos de miles de millones de galaxias en el Universo.
Gaia no se dedica sólo a cartografiar estrellas. También ha definido la posición de 14.000 asteroides que recorren el Sistema Solar, y ha obtenido datos de las galaxias cercanas de la Vía Láctea. Aquí se puede ver el grado de alcance de los sensores de Gaia:
[Fuente: ESA CC BY-SA 3.0 IGO]
La misión Gaia tiene pensado seguir recopilando datos de nuestra galaxia hasta 2020. Ahora es el turno de los científicos y astrónomos, que tendrán que dedicar años a estudiar toda esta información. Esperan encontrar sorpresas, y datos claves para entender el origen y la evolución del Universo.